Plébiscitée pour son esprit audacieux et sa sonorité singulière, La Symphonie de Poche nous offre un programme festif et plein de swing autour de deux immenses compositeurs américains : George Gershwin et Cole Porter, créateurs du jazz symphonique. Créé à New York le 13 décembre 1932, Un Américain à Paris met en scène les péripéties d’un touriste américain flânant dans Paris : une partition à la gaieté contagieuse qui a fait le tour du monde avec ses mélodies envoûtantes et son orchestre rutilant. Tout aussi charmeuse, la suite symphonique tirée de la comédie musicale Can-Can, inspirée à Cole Porter par ses années parisiennes et créée à Broadway en 1953, nous plonge dans l’atmosphère des cabarets de la Belle Époque et notamment du sulfureux Montmartre. Deux pièces du compositeur contemporain Lucas Henri, passionné de musique américaine, complètent ce séduisant programme.

Que sait-on de la musique des cultures et civilisations amérindiennes préhispaniques ? Quelle était la musique pratiquée par les espagnols à l’époque de la découverte du Nouveau Monde ? Telles sont les questions qui soustendent le propos du concert conçu par Pierre Hamon dans un mariage des sons et des rythmes des continents américain et européen. Rythmes endiablés, mélodies immémoriales... : un fascinant voyage aux sources musicales du film d’animation Pachamama nommé aux Césars 2019 et dont Pierre Hamon a composé la musique.

S’attachant à faire découvrir les répertoires inédits et méconnus du Moyen-Âge jusqu’aux premières polyphonies de la Renaissance, l’ensemble Obsidienne se plaît à évoquer l’univers musical de Christophe Colomb, qu’il imagine embarquer pour son grand voyage accompagné des mélodies festives, rythmées et dansantes du “Cancionero del Palacio” : constitué à partir de la fin du XVe siècle, jusqu’au début du XVIe , ce fameux manuscrit espagnol rassemble des compositions dans lesquelles s’expriment aussi bien l’élégance et le raffinement de la musique courtoise que la spontanéité de la chanson populaire des premières années de la Renaissance.

Célia Oneto Bensaid est une fine connaisseuse de l’univers du compositeur américain Philip Glass, figure légendaire du minimalisme dont la musique est l’une des plus écoutées dans le monde. À travers un florilège de pièces choisies, de ses musiques de film (The Truman Show, The Hours) à sa musique de scène (Akhnaten) en passant par ses Études pour piano, elle dresse un portrait très évocateur de cet artiste aux multiples facettes, ouvert, curieux et qui a révolutionné le monde de la musique contemporaine.

Un programme exotique et plein de fraîcheur autour d’un répertoire méconnu : celui des pays scandinaves - Norvège et Suède -, constitué de danses et de chansons composées au XVIIIe siècle et utilisant des instruments typiques tels que la nyckelharpa suédoise ou le hardingfele norvégien, très présent notamment dans l’œuvre de Grieg.

Au fil de ce programme se raconte l’émergence de la voix du violoncelle au XVIIIe siècle, à travers le répertoire des musiciens italiens qui parcourent l’Europe et font voyager leurs œuvres avec eux. On croise notamment la route du violoncelliste français Jean Barrière, qui a étudié en Italie, ou de Martin Berteau, l’un des fondateurs de l'école française du violoncelle.

Un programme très original explorant conjointement les thèmes de la musique et de la magie à travers un répertoire couvrant presque un millénaire de musique... joué en grande partie de mémoire, sur des flûtes à bec de 6 pouces à 6 pieds de haut !
Adoptant une présentation chorégraphique, les instrumentistes de l’ensemble Palisander mettent en lumière les liens très anciens unissant magie et musique - tels qu’évoqués déjà par Platon, Galilée ou Pythagore - et le concept ancien de “musique des sphères”, qui recouvre aussi bien les chansons utilisées en sorcellerie que les mélodies transmises à travers les rêves par des êtres surnaturels... et plus largement toutes les musiques traduisant l’immémoriale fascination de l’humanité pour la mystique et la magie.

Maîtres de la viole de gambe sous Louis XIV, Marin Marais et Antoine Forqueray étaient respectivement surnommés “l'Ange” et “le Diable”. Marais incarnait la douceur et l'élégance céleste avec son style fluide et expressif, tandis que Forqueray impressionnait par sa virtuosité démoniaque et ses traits fulgurants. Là où Marais caressait l'âme, Forqueray enflammait les passions... L’Ensemble Masques emmené par Olivier Fortin dévoile à travers ce programme original deux faces contrastées mais complémentaires de la musique baroque française.

Spécialement conçu pour la maison natale de Christian Dior, ce programme se veut une évocation musicale de l’acte créateur, de l’enfance nourrie par la nature normande aux premières ébauches et à la précision du geste, jusqu’à la liberté du rêve.

Quatre cantates composées alors que Bach était maître de chapelle à la cour de Weimar, et qui ont en commun le thème de l’espoir. Thème qu’illustre notamment la célèbre cantate “Weinen, klagen, sorgen, zagen”, que Bach reprendra à la fin de sa vie pour le Credo de la Messe en si mineur : “Vous serez tristes, mais votre tristesse se changera en joie”.

Remarquée très jeune par Martha Argerich et lauréate à 9 ans du Concours international Jeune Chopin 2018, Arielle Beck est une pianiste prodige qui à 16 ans, se produit déjà sur des scènes prestigieuses et ose se confronter à des partitions exigeantes avec une autorité et une maturité qui n’ont d’égal que son intelligence stylistique.

Attirés par le climat d’effervescence régnant dans la “ville-lumière” durant toute la première moitié du XXe siècle, les Espagnols Miguel Llobet et Isaac Albéniz, mais aussi le Brésilien Villa-Lobos et l’Argentin Piazzolla ont longuement séjourné à Paris, dévoilant la richesse de leurs cultures respectives, et marquant de leur empreinte la vie musicale de la capitale française.

Une relecture festive des célébrissimes Quatre Saisons de Vivaldi, version flûtes et musette inspirée d’une première adaptation de l’œuvre en 1739. L’Italie de Vivaldi, le Versailles de Louis XV, où la musette était reine, et la voix, singulière et éloquente, d’un soliste d’aujourd’hui s’additionnent et transfigurent ces partitions que l’on croyait connaître.

L’ensemble vocal La Púrpura de la Rosa tire son nom du premier opéra créé au XVIIe siècle sur le continent américain. Ensemble masculin à géométrie variable, il rassemble des artistes venus du Mexique, du Chili, de Corée, de France et d’Espagne issus de diverses maisons d’opéra - voix lyriques de ténors, barytons et basses - et s’attache à mettre en lumière la richesse, la sensibilité et la puissance des voix d’hommes : opéras célèbres, trésors de la zarzuela espagnole et chants traditionnels forment ainsi le cœur de son répertoire. Captivant le public par la maîtrise de son interprétation et la diversité de ses programmes, il interprétera sous la direction de Xavier Ribes quelques-uns des plus beaux chœurs d’hommes du répertoire d’opéra, extraits notamment de La Flûte enchantée, Faust, Rigoletto, Il Trovatore ou encore Nabucco.

Octuor de chanteurs polyvalents et soudés, l’Ensemble Ô dirigé par Laetitia Corcelle interprète le répertoire vocal classique sans barrière de styles ni de siècles. Explorant ici les grands chefs-d’œuvre de la musique vocale sacrée allemande, il entrelace les monodies médiévales d’Hildegard von Bingen (XIIe siècle) et les œuvres polyphoniques de trois grandes figures de la musique baroque et romantique : Bach, Mendelssohn et Bruckner. À l’ancestrale inquiétude des hommes exprimée par les Psaumes répond la vision pleine d’espérance des chants d’Hildegard, œuvres d’une étonnante vitalité, gorgées d'une nature en effervescence.

Résolument ancré dans la musique d’aujourd’hui, l’ensemble Les Métaboles dirigé par Léo Warynski tire son nom de l’œuvre d’Henri Dutilleux, Métaboles, qui évoque la capacité du chœur à se transformer au gré des répertoires. De la polyphonie de la Renaissance aux créations contemporaines, “Après un rêve” trace un parcours vocal allant de Josquin Desprez à Ondrej Adamek, en passant par Brahms, Fauré, Debussy et Ravel.

Voyageant entre Moyen-Âge occidental, héritage byzantin et tradition chrétienne orientale, l’Ensemble vocal Irini met en lumière les différentes figures de la Vierge et de son culte, qui trouve en Méditerranée une résonance particulière. À travers des chants orthodoxes grecs, libanais, syriaques, chypriotes, des extraits du Livre Vermeil de Montserrat (XIVe siècle, Espagne) et des laudes italiennes du XIIIe siècle, d’une rive à l’autre de la “Mare nostrum”, Irini célèbre tour à tour la jeune fille en fleurs des rites païens antiques, la lamentation de la Mère, femme terrestre confrontée à la mort de son unique enfant, la Reine des cieux et la Mère universelle intercédant pour l’humanité...

C’est tout le génie dramatique de Vivaldi et son art de la mise en valeur d’un texte par la musique qui s’expriment à travers son célèbre Stabat Mater, méditation bouleversante qui nous plonge au cœur de la souffrance du Christ et de la Vierge Marie lors de la Crucifixion. Organisée en neuf mouvements, l’œuvre tisse d’emblée une riche trame polyphonique au sein de laquelle se déploient de magnifiques mélodies, jusqu’à la rupture introduite, dans la dernière partie, par la violence du contraste entre l’unisson des cordes cinglantes et la voix tout en douceur de la mère éplorée - à l’image du texte qui associe la mère du Christ à une “fontaine d’amour” (“fons amoris”).

Porté par les sonorités des instruments médiévaux, le très réputé ensemble de musique ancienne Diabolus in Musica nous invite à découvrir une œuvre restée dans l’oubli depuis près de 600 ans : la Missa Le serviteur de Guillaume Faugues, maître de chœur et chapelain à la Sainte-Chapelle de Bourges autour de 1462, et considéré comme l’inventeur de la “messe-parodie”. Probablement composée en Italie pour l’élection du Pape Pie II en 1458, cette messe polyphonique à quatre voix et huit chanteurs se distingue par une grande qualité d’écriture, et entre ici en résonance avec des motets de Philippe Basiron, élève du compositeur. Un riche programme porteur d’élévation spirituelle.

Fruit d’une mystérieuse commande reçue par Mozart à la toute fin de sa vie, le célèbre Requiem a fait l’objet, après la mort du compositeur, d’une version chambriste pour quatre chanteurs, quatuor à cordes et orgue positif. Reconstituée à partir de manuscrits des XVIIIe et XIXe siècles, elle est de toute évidence assez proche de ce que le maître a pu écouter avant sa mort et recentre l’écoute sur les lignes mélodiques.